DÍPTICO LUIS FEITO

      IVA no incluido

      Díptico Noviembre I – Noviembre II, 1998

      Litografía

      Ed. 37/75  67/75

      Luis Feito (Madrid,1929)

       

      Medidas: W 83 x H 101

       

      Luis Feito López nace en Madrid el 31 de octubre de 1929 en el seno de una humilde familia de carniceros. Tuvo una dura infancia debido a la Guerra Civil y a los duros años en el Madrid de la posguerra.

      Desde niño había mostrado una afición por el dibujo y pintaba regularmente acuarelas. Sus primeras lecciones fueron con Manuel Mampaso, pintor que se convertiría en ilustrador del periódico ABC. Tales fueron los progresos en su taller que le animó preparar la prueba de ingreso a la Academia de Bellas Artes en el año 1949 matriculándose en la Escuela de Artes y Oficios.

      Realiza su primera exposición en la Galería Buchholz, quizá el centro artístico más moderno del Madrid de los años 50, cuando ni siquiera había terminado el último curso de la Academia, ya que pretendía solicitar una beca que ofertaba el Instituto Francés de Madrid para viajar a París y necesitaba haber celebrado al menos una exposición.

      En 1954 finaliza sus estudios y ejerce de profesor de dibujo en la misma Academia de San Fernando. Realiza su segunda exposición en la recién inaugurada Galería Fernando Fe de Madrid, donde expone únicamente obra no figurativa.

      En 1955 abandona la docencia y se traslada a París gracias a una beca del gobierno francés, una bolsa de viaje otorgada por el Departamento de Cultura de la Delegación Nacional y unos ahorros conseguidos con la elaboración de unos murales en el Hotel Washington de Madrid.

      Allí entra en contacto con otros artistas de vanguardia y conoce las novedades que se están desarrollando fuera del ambiente opresor de la España franquista. Su obra de estos años está muy influida por la pintura matérica y por el automatismo.

      Ese mismo año realiza una exposición en la Galería Arnaud de París y vende algunas obras que le permiten seguir adelante. Participa en la I Bienal del Mediterráneo celebrada en Alejandría, donde obtiene el tercer premio, que será su primer gran éxito internacional.

      Es seleccionado para participar en la IV Bienal de Sao Paulo en el año 1957 y al año siguiente en la XXIX Bienal de Venecia, con un rotundo éxito de todos los pintores españoles, que les llevaron a exponer en el año 1960 en el MoMA y en el Museo Guggenheim de Nueva York.

      En 1962 introduce el color rojo y estructuras circulares, que serán el primer paso para el nuevo lenguaje abstracto que desarrollará en la década de los 70. Su obra sufre una clara reducción formal, tendente a la geometría, con composiciones sencillas y aplicación del color en planos. Se advierte una cierta influencia oriental y sobre todo del arte japonés.

      En 1981 se traslada por dos años a Montreal y después se establece en Nueva York hasta la década de los 90. Desde entonces alterna estancias entre España y Estados Unidos.

      En 1985, el Estado Francés le nombra Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de Francia y en 1993 Comendador de la misma Orden.

      Sus obras están expuestas en los mejores museos nacionales e internacionales y ha recibido premios tan importantes como la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes y su incorporación como académico a la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.

       

       

       

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      "FAMILY PORTRAIT: «MY MOTHER’S PARK»" EDUARDO SOURROUILLE, 2012

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      Fotografía «Family Portrait: My mother’s Park»
      Eduardo Sourrouille 2012.
      Edición 1/3

      EDUARDO SOURROUILLE. Basauri (Bizkaia), 1970. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Artista con exposiciones individuales entre las que podemos destacar: If you could see him through my eyes. Galerie Krisal, Ginebra, Suiza; Villa Edur. Museo Arte Contemporaneo ARTIUM: Vitoria-Gasteiz; arteBA 08. Caja negra-cubo blanco. Galería del Sol. Buenos Aires.Y otras exposiciones colectivas al rededor del mundo como: Bilbaorte New Yorken. Fundación Gabarrón. New York,ROMA 2009. Galería Luis Adelantado. Roma; VIDEOAKT. Glogauair Berlin;Extraños en el paraiso. Instituto Cervantes, Beijing,Tokio; Paris Photo 06. Galería Luis Adelantado. Paris, entre otras.
      Medidas: W 165 x D 145 cm

      LA00700064

      «PALIMPSESTO IX» EMILIO PEMJEAN 2013

      IVA no incluido

      Localización: An der Elbe 33, Dresde , Alemania. Destruido. (Kaspar David Friedrich en su estudio, 1811). Impresión digital inyección de tintas pigmentadas minerales, papel algodón Hahnemühle Photo rag, dibond, marco y cristal. Edición 5+2 P.A.

      Emilio Pemjean : Nace en 1971 en Chile. Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.
      En su trabajo como Arquitecto ha sido premiado en numerosos concursos de arquitectura, su obra expuesta, publicada en libros y revistas y recibido distintos premios como: Toulouse Photo Contest,“AL Betrayal” EFTI Madrid, “Concurso de Fotografía FNAC” Madrid, etc. Llevó a cabo talleres con artistas célebres como Chema Madoz, Ciuco Gutiérrez, Manuel Rufo, Jesús Micó, etc.

      Medidas: W 120 x H 120 cm

      LA00700085

      «SIN TÍTULO» FERNANDO DE ANA

      IVA no incluido

      «Sin título»

      Resina sobre madera

      Fernando de Ana

      Si existe un gen del arte, Fernando de Ana (Talavera de la Reina, 1979) y licenciado en Bellas Artes, lo lleva consigo. Desde que nació ha estado rodeado de óleo y lápices, espátulas y aguarrás. Pertenece a la tercera generación de una saga de artistas que comenzó a principios del siglo XIX con su tío abuelo, José Pérez, pintor y primer director del Museo de Arte de Cádiz, y siguió con su padre, Juan Carlos Jiménez, también pintor y Doctor en Bellas Artes.

      Si sus antepasados se deleitaban con la luz y los bodegones, Fernando de Ana ha querido explorar también otros lenguajes más contemporáneos, trabajando primero como ilustrador –ha recibido varios premios internacionales- y creador de dibujos animados, para más tarde empaparse del diseño y la vanguardia holandesa, país pionero en este campo, donde compaginaba su labor artística con la de director de arte durante más de una década. Su trabajo ha estado expuesto en Praga, Bolonia, Ámsterdam o Londres, entre otras ciudades y ha sido seleccionado y galardonado en diferentes certámenes de arte.

      De esa trasversalidad de influencias y de esa simbiosis de referencias clásicas y vanguardistas, llega ahora su madurez como artista. Alejado de su zona de confort, el artista apuesta por un lenguaje propio en el que las emociones priman sobre lo metálico. Su modo de estar en el mundo palpita en su obra: las relaciones humanas marcadas por el sexo, la soledad y la melancolía, la ansiedad como catalizador del arte, las obsesiones girando en espiral, la repetición de patrones, el morbo agitado con la ternura infinita, la Inocencia frustrada que aun así respira, lo conmovedor como motor. La obra de Fernando de Ana responde a un proceso creativo maduro, construido a lo largo de varias décadas explorando diferentes formatos, donde el material, el sentido y el sentir van en la misma dirección. ‘Forbbiden carnal’, su elegante serie en resina y neón, se ha convertido ya en un exponente al combinar sin complejos un material aparentemente frío y de límites geométricos con la calidez y la sensualidad de la luz, de modo que ha conseguido que ambos elementos intercambien naturalezas.

      El autor se desnuda a través de esta minuciosa técnica y nos habla de su mundo interior, sus contradicciones y sus miedos, todo ello atravesado por Eros y Thanatos, el placer y el dolor, la contradicción como génesis misma de la vida. Cada obra de ‘Forbbiden Carnal’ muestra un aspecto de las relaciones sentimentales, un instante en la relación con el otro, siempre compleja y necesaria: la flecha del primer contacto visual, la vulnerabilidad propia, la seducción como tótem y motor, la mentira y lo decadente, la caricia como antídoto a la soledad. Nada mejor que la resina, el color y la simbiosis de la geometría con el neón para expresar todo este universo sensitivo, que no solo busca conectar con lo bello y lo terrible del espectador, sino seducirle a él también.

      W 150 x D 7 x H 150

      LA00700054..

      "ZEBRA 17001" JOSECHO LÓPEZ-LLORENS, 2018

      IVA no incluido

       

      Composición cinética «Zebra 17001» de Josecho López Llorens realizada en acrílico sobre lienzo. Edición única 2017.

      Josecho López: artista y diseñador ligado al movimiento Minimalista y al Arte Geométrico. Sus obras abarcan desde el dibujo y la pintura, hasta la escultura, desarrollando estructuras en tres dimensiones, de formas simples, definidas con precisión.Sus trabajos evolucionan desde un cuadrado, un círculo o una simple línea recta, buscando un armonioso conjunto final en el que toma mucha importancia la simetría de los espacios vacíos, así como el equilibrio del peso visual de la obra en su conjunto.

      Medidas: W 123 x H 123

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