IVA NO INCLUIDO

Neón sobre metacrilato tintado, 2022

Fernando de Ana

Si existe un gen del arte, Fernando de Ana (Talavera de la Reina, 1979) y licenciado en Bellas Artes, lo lleva consigo. Desde que nació ha estado rodeado de óleo y lápices, espátulas y aguarrás. Pertenece a la tercera generación de una saga de artistas que comenzó a principios del siglo XIX con su tío abuelo, José Pérez, pintor y primer director del Museo de Arte de Cádiz, y siguió con su padre, Juan Carlos Jiménez, también pintor y Doctor en Bellas Artes.

Si sus antepasados se deleitaban con la luz y los bodegones, Fernando de Ana ha querido explorar también otros lenguajes más contemporáneos, trabajando primero como ilustrador –ha recibido varios premios internacionales- y creador de dibujos animados, para más tarde empaparse del diseño y la vanguardia holandesa, país pionero en este campo, donde compaginaba su labor artística con la de director de arte durante más de una década. Su trabajo ha estado expuesto en Praga, Bolonia, Ámsterdam o Londres, entre otras ciudades y ha sido seleccionado y galardonado en diferentes certámenes de arte.

De esa trasversalidad de influencias y de esa simbiosis de referencias clásicas y vanguardistas, llega ahora su madurez como artista. Alejado de su zona de confort, el artista apuesta por un lenguaje propio en el que las emociones priman sobre lo metálico. Su modo de estar en el mundo palpita en su obra: las relaciones humanas marcadas por el sexo, la soledad y la melancolía, la ansiedad como catalizador del arte, las obsesiones girando en espiral, la repetición de patrones, el morbo agitado con la ternura infinita, la Inocencia frustrada que aun así respira, lo conmovedor como motor. La obra de Fernando de Ana responde a un proceso creativo maduro, construido a lo largo de varias décadas explorando diferentes formatos, donde el material, el sentido y el sentir van en la misma dirección. ‘Forbbiden carnal’, su elegante serie en resina y neón, se ha convertido ya en un exponente al combinar sin complejos un material aparentemente frío y de límites geométricos con la calidez y la sensualidad de la luz, de modo que ha conseguido que ambos elementos intercambien naturalezas.

El autor se desnuda a través de esta minuciosa técnica y nos habla de su mundo interior, sus contradicciones y sus miedos, todo ello atravesado por Eros y Thanatos, el placer y el dolor, la contradicción como génesis misma de la vida. Cada obra de ‘Forbbiden Carnal’ muestra un aspecto de las relaciones sentimentales, un instante en la relación con el otro, siempre compleja y necesaria: la flecha del primer contacto visual, la vulnerabilidad propia, la seducción como tótem y motor, la mentira y lo decadente, la caricia como antídoto a la soledad. Nada mejor que la resina, el color y la simbiosis de la geometría con el neón para expresar todo este universo sensitivo, que no solo busca conectar con lo bello y lo terrible del espectador, sino seducirle a él también.

Medidas: W 150 x D 110 cm

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Federico Miró
"Sin título", 2018

de la serie LA VERDAD ES OTRA
Acrílico sobre lienzo
Medidas: H 150 x  W 170 cm

 

Obras en colecciónes:

Universidad de Málaga.

Academia de Arte de San Quirce, Segovia.

CAC Málaga.

Fundación La Gaceta Regional, Salamanca.

Colección Jiménez-Rivero.

Colección Kells.

Colección DKV.

 

Premios

2017   

Premio BMW de pintura a la Innovación 2017, Madrid.

Premio Colección Jiménez-Rivero, Arte Emergente Español.Sección MAPA, Feria Estampa, Madrid.

2016  

Premio  XXVII Circuitos de Artes plásticas de la Comunidad de Madrid.

Segundo premio del XXI Certamen Jóvenes Pintores de la Fundación Gaceta, Salamanca.

Mención especial, Premio MálagaCrea, Málaga

2015   

Finalista Premio Focus-Abengoa, Sevilla.

Selección  30º Premio BMW de Pintura, Madrid.

Finalista Griffin Art Prize, Londres.

2014  

Primer premio de la exposición Salón de Verano, Madrid.

2013  

Primer premio de la Beca de Pintura de Paisaje de la Academia de San Quirce,Segovia.

Primer premio del VII premio de Pintura Universidad de Málaga, Málaga.

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Daniel Verbis
"Diseminación", 2008
Pintura, madera, plástico y PVC
Medidas:  W 152 x H 120  cm

 

Daniel Verbis nació en León en 1968. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Salamanca. Sus obras se caracterizan por incorporar elementos diferentes a la pintura, materiales como tejidos, hilos, resinas, poliéster, papel de aluminio, lonas de plástico, etc. 

Ha expuesto sus obras en varias ciudades, incluyendo Madrid, Sevilla, Miami, Nueva York y Chicago. Sus obras figuran en diferentes museos como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Artium o Museum Folkwang. Ha recibido varios premios, entre ellos el Premio de Pintura L’Oreal, Premio de Pintura Fray Luis de León, Premio de Pintura Caja España, Premio Ángel de Pintura y otros.

 

IVA no incluido

Neón sobre metacrilato tintado, 2022

Fernando de Ana

Si existe un gen del arte, Fernando de Ana (Talavera de la Reina, 1979) y licenciado en Bellas Artes, lo lleva consigo. Desde que nació ha estado rodeado de óleo y lápices, espátulas y aguarrás. Pertenece a la tercera generación de una saga de artistas que comenzó a principios del siglo XIX con su tío abuelo, José Pérez, pintor y primer director del Museo de Arte de Cádiz, y siguió con su padre, Juan Carlos Jiménez, también pintor y Doctor en Bellas Artes.

Si sus antepasados se deleitaban con la luz y los bodegones, Fernando de Ana ha querido explorar también otros lenguajes más contemporáneos, trabajando primero como ilustrador –ha recibido varios premios internacionales- y creador de dibujos animados, para más tarde empaparse del diseño y la vanguardia holandesa, país pionero en este campo, donde compaginaba su labor artística con la de director de arte durante más de una década. Su trabajo ha estado expuesto en Praga, Bolonia, Ámsterdam o Londres, entre otras ciudades y ha sido seleccionado y galardonado en diferentes certámenes de arte.

De esa trasversalidad de influencias y de esa simbiosis de referencias clásicas y vanguardistas, llega ahora su madurez como artista. Alejado de su zona de confort, el artista apuesta por un lenguaje propio en el que las emociones priman sobre lo metálico. Su modo de estar en el mundo palpita en su obra: las relaciones humanas marcadas por el sexo, la soledad y la melancolía, la ansiedad como catalizador del arte, las obsesiones girando en espiral, la repetición de patrones, el morbo agitado con la ternura infinita, la Inocencia frustrada que aun así respira, lo conmovedor como motor. La obra de Fernando de Ana responde a un proceso creativo maduro, construido a lo largo de varias décadas explorando diferentes formatos, donde el material, el sentido y el sentir van en la misma dirección. ‘Forbbiden carnal’, su elegante serie en resina y neón, se ha convertido ya en un exponente al combinar sin complejos un material aparentemente frío y de límites geométricos con la calidez y la sensualidad de la luz, de modo que ha conseguido que ambos elementos intercambien naturalezas.

El autor se desnuda a través de esta minuciosa técnica y nos habla de su mundo interior, sus contradicciones y sus miedos, todo ello atravesado por Eros y Thanatos, el placer y el dolor, la contradicción como génesis misma de la vida. Cada obra de ‘Forbbiden Carnal’ muestra un aspecto de las relaciones sentimentales, un instante en la relación con el otro, siempre compleja y necesaria: la flecha del primer contacto visual, la vulnerabilidad propia, la seducción como tótem y motor, la mentira y lo decadente, la caricia como antídoto a la soledad. Nada mejor que la resina, el color y la simbiosis de la geometría con el neón para expresar todo este universo sensitivo, que no solo busca conectar con lo bello y lo terrible del espectador, sino seducirle a él también.

Medidas: W140  x  D30  x h140 cm

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"Unos días después del Kind of Blue, 1959"

Miki Leal

Acrílico y acuarela sobre papel.

Medidas díptico: 236 x 332 cm

 

PREMIOS

2021 International Studio & Curatorial Program (ISCP), New York, USA. Grant awarded by the
Consulado General de España en Nueva York. Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea
y de Cooperación. Gobierno de España.
2016 1º Premio del 31º Premio BMW Pintura. Madrid, Spain.
Beca de la Academia de BBAA de San Fernando in Rome. Rome, Italy.
2013 1º Premio. I Premio Bienal de Pintura Rafael Boti.
2009 Beca Cajasol.
2007 Premio Altadis de pintura 2006.
2006 Beca caja Madrid Proyecto BBC.
2004 Beca, Ayudas a la Creación Artística Contemporánea de la Consejería de Cultura de la Junta
de Andalucía.
2002 1º Premio. Certamen Nacional de Arte joven (I.A.J.) Málaga.
1998 1º Premio para Artistas Jóvenes de la Fundación el Monte. Sevilla.

IVA no incluido

“Butterfly Spin Painting” del artista Damien Hirst.

Obra en acrílico, enmarcada en estuche de metacrilato con laterales transparentes y fondo de madera en pan de oro que deja ver en su reverso la firma del artista.

Esta pieza de arte fue realizada para celebrar la apertura del PinchukArtCentre en Kiev, Ucrania, los días 25 y 26 de abril de 2009.  Butterfly Spin muestra la espontaneidad y la energía general del proceso creativo del artista. Según Hirst es una "Enorme explosión de energía, llena de vida, color y optimismo". Los colores empleados son introducidos en el lienzo para luego ser sometidos en un movimiento mecánico de rotación que los extiende creando una transición de colores dando resultado a una obra de arte única y que se convierte en pura expresión. Con este método artístico Hirst imita a la pintura de acción de Jackson Pollock.

Medidas: W 80 x D 5  x H 85 cm

IVA no incluido

“Skull Spin Painting” del artista Damien Hirst.

Obra en acrílico, enmarcada en estuche de metacrilato con laterales en colores fluorescentes y fondo de madera que deja ver en su reverso la firma del artista.

Esta pieza de arte fue realizada para celebrar la apertura del PinchukArtCentre en Kiev, Ucrania, los días 25 y 26 de abril de 2009. Spin Skull muestra la espontaneidad y la energía general del proceso creativo del artista. Según Hirst es una "Enorme explosión de energía, llena de vida, color y optimismo". Los colores empleados son introducidos en el lienzo para luego ser sometidos en un movimiento mecánico de rotación que los extiende creando una transición de colores dando resultado a una obra de arte única y que se convierte en pura expresión. Con este método artístico Hirst imita a la pintura de acción de Jackson Pollock.

Medidas: W 72 x D 5  x H 83 cm

 

IVA NO INCLUIDO

Berghof (A. Hitler). Obersalzberg, Alpes Bávaros, Alemania. 1924-1936. Destruida entre abril y mayo de 1945.

Impresión digital inyección de tintas pigmentadas minerales, papel algodón
Hahnemühle Photo rag, marco y cristal. Edición 5+2P.A

Emilio Pemjean : Nace en 1971 en Chile. Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.
En su trabajo como Arquitecto ha sido premiado en numerosos concursos de arquitectura, su obra expuesta, publicada en libros y revistas y recibido distintos premios como: Toulouse Photo Contest,“AL Betrayal” EFTI Madrid, “Concurso de Fotografía FNAC” Madrid, etc. Llevó a cabo talleres con artistas célebres como Chema Madoz, Ciuco Gutiérrez, Manuel Rufo, Jesús Micó, etc.

Medidas:  W 143 x H 143 cm

IVA NO INCLUIDO

Berghof (A. Hitler). Obersalzberg, Alpes Bávaros, Alemania. 1924-1936. Destruida entre abril y mayo de 1945.

Impresión digital inyección de tintas pigmentadas minerales, papel algodón
Hahnemühle Photo rag, marco y cristal. Edición 5+2P.A

Emilio Pemjean : Nace en 1971 en Chile. Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.
En su trabajo como Arquitecto ha sido premiado en numerosos concursos de arquitectura, su obra expuesta, publicada en libros y revistas y recibido distintos premios como: Toulouse Photo Contest,“AL Betrayal” EFTI Madrid, “Concurso de Fotografía FNAC” Madrid, etc. Llevó a cabo talleres con artistas célebres como Chema Madoz, Ciuco Gutiérrez, Manuel Rufo, Jesús Micó, etc.

Medidas:  W 143 x H 143 cm

Iva no incluido

Rayaa Werte, 2018

Serie Khamekaye

Paula Anta
Fotografía

Edición de 5 ejemplares

 

La serie Khamekaye está realizada en la Grande-Côte, una sección del litoral senegalés que abarca unos 150km, situado desde el norte de Dakar hasta la desembocadura del río Senegal. En esta gran superficie de playas y dunas se distinguen, de tanto en tanto, unas estructuras compuestas por ramas, plásticos, redes de pesca y diferentes objetos, elevándose en medio de esta gran extensión de mar, arena y vegetación. A primera vista parecen objetos informes, caóticos, como marañas de ramas y plásticos que parecen desechados por el mar. Sin embargo, su configuración, su enclave vertical en un lugar azotado por el viento, el agua, el salitre y cierto dinamismo en sus formas, hacen fijar aun más la mirada para descubrir qué son y qué hacen clavados en ese lugar concreto. El caos brinda descubrimientos maravillosos y poco a poco estas estructuras enmarañadas empiezan a adquirir, ante el espectador, formas más definidas: animales, criaturas fantásticas, seres concretos, con brazos, cuerpos, cabezas, en movimiento, en grupo, incluso en escorzo.

Los Khamekaye son señales, grandes hitos colocados a lo largo del litoral para marcar el lugar donde, hacia el interior, se encuentran los poblados. Tienen una intención muy concreta, una utilidad práctica y doméstica. Su posición no es arbitraria. Su presencia tampoco es caprichosa o inconsecuente. Desde el mar (a lo largo de esta extensión hay algunas zonas de gran actividad de pesca) y desde la arena, se puede conocer dónde se encuentra el poblado. Khamekaye significa hito en la lengua wolof, uno de los idiomas más hablados en Senegal y este término es empleado  únicamente para designar estas señales de playa.

Medidas: W 183 x  D 4 x H 123 cm

Iva no incluido

Sanii katou poids, 2019

Serie Khamekaye

Paula Anta
Fotografía

Edición de 5 ejemplares

 

La serie Khamekaye está realizada en la Grande-Côte, una sección del litoral senegalés que abarca unos 150km, situado desde el norte de Dakar hasta la desembocadura del río Senegal. En esta gran superficie de playas y dunas se distinguen, de tanto en tanto, unas estructuras compuestas por ramas, plásticos, redes de pesca y diferentes objetos, elevándose en medio de esta gran extensión de mar, arena y vegetación. A primera vista parecen objetos informes, caóticos, como marañas de ramas y plásticos que parecen desechados por el mar. Sin embargo, su configuración, su enclave vertical en un lugar azotado por el viento, el agua, el salitre y cierto dinamismo en sus formas, hacen fijar aun más la mirada para descubrir qué son y qué hacen clavados en ese lugar concreto. El caos brinda descubrimientos maravillosos y poco a poco estas estructuras enmarañadas empiezan a adquirir, ante el espectador, formas más definidas: animales, criaturas fantásticas, seres concretos, con brazos, cuerpos, cabezas, en movimiento, en grupo, incluso en escorzo.

Los Khamekaye son señales, grandes hitos colocados a lo largo del litoral para marcar el lugar donde, hacia el interior, se encuentran los poblados. Tienen una intención muy concreta, una utilidad práctica y doméstica. Su posición no es arbitraria. Su presencia tampoco es caprichosa o inconsecuente. Desde el mar (a lo largo de esta extensión hay algunas zonas de gran actividad de pesca) y desde la arena, se puede conocer dónde se encuentra el poblado. Khamekaye significa hito en la lengua wolof, uno de los idiomas más hablados en Senegal y este término es empleado  únicamente para designar estas señales de playa.

Medidas: W 183 x  D 4 x H 123 cm

IVA NO INCLUIDO

Técnica: Impresión Giclée sobre dibond.

Ed 1/3+ 2 A:P

 

BOYS ON MENPHIS

Con una prolífica y significativa carrera en el ámbito del videoarte y de la fotografía escenificada, Carles
Congost (Olot, Girona, 1970) se ha constituido a lo largo de casi tres décadas como una referencia artística
intergeneracional.Su particular uso del humor y la ironía, así como su particular querencia por diferentes subgéneros de la
cultura de masas se manifiestan a través de teatralizadas puestas en escena, exageradas, barrocas y a menudo
proclives a la ciencia ficción; con las que cuestiona los roles sociales, el uso de los medios de comunicación
y la propia institución del arte, sin perder de vista la compleja experiencia visual contemporánea.
La serie fotográfica “Boys on Memphis” es el proyecto que Congost ha ideado para el stand de la Galeria
Horrach Moyà en ARCO Madrid 2022, dando lugar al primer solo show del artista en esta importante feria
de Madrid. A través de cuatro fotografías de gran formato, el artista despliega muchos de los temas que
han configurado hasta la fecha su universo visual y discursivo, lo que nos permite fácilmente establecer
vínculos entre estas nuevas obras con algunas de sus propuestas anteriores.
Las cuatro fotografías de esta serie nos presentan a un trío de modelos llevando a cabo sencillas puestas
en escena en el interior de un decorado cuya estética remite tanto al Grupo Memphis, colectivo italiano
de arquitectura y diseño industrial que triunfó en la década de los ochenta, bajo el liderazgo del milanés
Ettore Sottsass; como a la vertiente más geométrica del Art Decó y al Pop Art de los sesenta.
Todos los elementos arquitectónicos y ornamentales del decorado, así como el vestuario y los objetos de
attrezzo que aparecen en las fotografías juegan un relevante papel simbólico. Por ejemplo, en “Mambo” (2022)
una pequeña canasta instalada en la parte central de la imagen convierte el colorido set en una pista de
baloncesto que nos remite a una competición deportiva estudiantil; la misma canasta vuelve a aparecer en la
fotografía titulada “The Man From Utopia” (2022) que hace alusión al álbum que el famoso guitarrista Frank
Zappa publicó en el año 1983 y en cuya portada aparece encarnado en RanXerox, un popular personaje fantástico
creado por los dibujantes Tanino Liberatone y Stefano Tamburini. En la fotografía, un simple triángulo
amarillo flotando frente al rostro del modelo otorga a la escena deportiva un inquietante componente de
ciencia ficción.
En “Teorema” (2022), vemos reproducida de forma bastante sui generis una de las escenas de la película
homónima del cineasta Pier Paolo Pasolini. Su protagonista, un enigmático joven interpretado por el actor
Terence Stamp, aparece en repetidas ocasiones con un ejemplar de las obras completas del poeta simbolista
Arthur Rimbaud de idéntica edición. El atuendo que luce el modelo en la fotografía hace, en cambio,
referencia al movimiento juvenil Paninari surgido en Milán en plena década de los ochenta. Los Paninari
evidenciaron con sus hábitos y su forma de vestir la progresiva implantación del american way of life en el
seno de la cultura italiana y mediterránea, proceso que la administración Reagan logró llevar a cabo gracias
a la colaboración de los primeros canales privados de televisión en Italia.
“Italodisco” (2022) continúa esta misma idea homenajeando el diseño de las portadas de los discos de vinilo
adscritos a este género musical que arrasó en Europa durante la década de los ochenta abarrotando las cubetas
de las tiendas de música con su sonido entre futurista y romántico.

Medidas sin enmarcar: W 210 x H 150 cm

Medidas enmarcado: W 217 x D 6 x H 157 cm

IVA no incluido

Serie Figura Imposible

Serigrafía sobre papel

Año 1973

Numeración de grabado: 184 / 300

Firmado: José María Yturralde

Medidas: W 62 x D 2 x H 82.5 cm

IVA no incluido

Serie Figura Imposible

Serigrafía sobre papel

Año: 1973 – 1975

Numeración de grabado: 106 / 125

Firmado: José María Yturralde

Medidas: W 60.5 x D 2 x H 74 cm

IVA no incluido

Serie Figura Imposible

Serigrafía sobre papel

Año 1973 – 1975

Numeración de grabado: 95 / 125

Firmado: José María Yturralde

Medidas: W 60.5 x D 2 x H 74cm

IVA no incluido

Serie Figura Imposible

Serigrafía sobre papel

Año: 1971

Numeración de grabado: P.A

Firmado: José María Yturralde

Medidas: W 62 x D 2 x H 76cm

IVA no incluido

Serie Figura Imposible

Serigrafía sobre papel

Año: 1972

Numeración de grabado: P.A

Firmado: José María Yturralde

Medidas: W 62 x D 2 x H 76cm

IVA no incluido

Serie Figura Imposible

Serigrafía sobre papel

Año: 1973

Numeración de grabado: 141 / 150

Firmado: José María Yturralde

Medidas: W 64 x D 2 x H 79 cm

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