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Vinilo sobre bastidor de madera

Considerada una de las figuras artísticas de mayor relevancia internacional Julian Opie (Londres, 1958) es un creador multidisciplinar que emplea diferentes materiales, colores planos y avanzadas tecnologías para crear obras efectistas centradas en el cuerpo humano. Dueño de un lenguaje pop minimalista, de trazos simples y figuras esquemáticas, propone una inesperada interpretación del retrato clásico que concibe con rasgos básicos influidos por las señalizaciones urbanas y la publicidad.
Entre sus colaboraciones más conocidas están sus retratos de la modelo Kate Moss, la portada del disco recopilatorio de Blur, el diseño del escenario para los conciertos de U2 y los escaparates que ideó para los grandes almacenes Selfridges. Tendencias del Mercado del Arte ha hablado con el artista en vísperas de la inauguración de su nueva exposición en la Galería Lisson de Londres. Vanessa García-Osuna

Medidas: 287.9 x 177.4 cm

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Habitat Elusive, escultura realizada por Eelco Hilgerson. Esta pieza está hecha con  lentillas polarizadas y consta de dos piezas independientes.
Color: verde – azul

Medidas: Diámetro 125 x 20 cm

 

Eelco Hilgersom nació en 1979 en Ámsterdam. Desde niño le fascinan la arquitectura y las estructuras que crea la naturaleza arquitectura. Esta fascinación le lleva a crear obras abstractas basadas en estas formas y organismos naturales. En todas Eelco busca contrastes de forma, color o material. “Mi objetivo es emocionar al observador a través de los contrastes y la complejidad de la obra”. Para lograr este objetivo utiliza diferentes técnicas y materiales. Constantemente busca el reto de trabajar con nuevos materiales. Para ello es necesario aprender material de memoria y descubrir las posibilidades del material con el que quiere trabajar. Lo que importa es el resultado final. Cada concepto que quiera desarrollar requiere un enfoque diferente, por eso trabaja con distintos materiales. “Como no me impongo no me impongo pautas ni marcos, puedo dar rienda suelta a mis ideas”.

 

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FOTOGRAFIA SOBRE PAPEL

Maté ha expuesto de forma individual y colectiva en museos y centros de arte. Ha ganado la Beca Fundación Marcelino Botín en 2002 y el premio Altadis de Artes Plásticas en el 2003. En 2014 Maté es reconocido con el Premio Comunidad de Madrid-Estampa, que concede el Gobierno regional, por su obra “La Cara Oculta”.

Medidas: 127 x 163  cm

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SERIGRAFIA,ACRILICO S.PLEXIGLASS-HIERRO

Leonel Moura es un artista portugués que nació en Lisboa en 1948.   Crea arte generativo utilizando robots. Sitúa su obra en el campo de la pintura, pero cuestiona el propio papel del artista en la obra.

Él imagina un «arte simbiótico» donde el hombre y la máquina trabajan juntos para abandonar el dominio del campo del arte por percepciones humanas arbitrarias. El texto “Swarm Paintings – Non-human art” describe sus intereses en los campos de la inteligencia artificial y la robótica como herramientas artísticas.

Su arte se caracteriza por combinar arquitectura, filosofía y ciencia. Ha hecho numerosas exposiciones internacionales y en 1995 el Nouveau Musée/Institut de Villeurbanne organizo su primera retrospectiva. Moura ha publicado numerosos libros en Portugal, España y Francia y ha dado conferencias en diferentes países. En 2009 fue nombrado Embajador Europeo de Creatividad e Innovación por la Comisión Europea.

Medidas: 210 x 120 x 5 cm

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Escultura “Evidencia” realizada por Alexandre Arrechea (Trinidad, Cuba 1970). Escultura realizada en resina.  Firmada y numerada 8/35 fechada en 2006.

Incluye peana de madera lacada y urna de metacrilato.

Medidas escultura: Diámetro 30 cm

Medidas: W 40 x  D 40 x H 140 cm

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FOTOGRAFIA B/N

Tras licenciarse en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, Santiago Sierra completó su formación en Hamburgo, donde estudió con los profesores de F. E. Walter, S. Browm y B. J. Blume. Sus inicios están vinculados a los circuitos artísticos alternativos de Madrid —El Ojo Atómico, Espacio P—, pero gran parte de su carrera ha sido desarrollada ya posteriormente en México (1995–2006) e Italia (2006—2010). Su trayectoria ha tenido, desde siempre, un considerable impacto en la literatura crítica artística.

La obra de Sierra intenta visibilizar la perversidad de las tramas de poder que fomentan la alienación y explotación de los trabajadores, la injusticia de las relaciones laborales, el desigual reparto de la riqueza que produce el Capitalismo y la naturaleza perversa del trabajo y el dinero, y las discriminaciones por motivos raciales en un mundo surcado por flujos migratorios unidireccionales —Sur-Norte—.

Medidas: 150 x 230 cm

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Escultura de pared realizada en hilo de algodón de agave con colores tintados manualmente. Reinterpretan en clave contemporánea los motivos geométricos tradicionales de las culturas indígenas de América del sur.

 

Medidas: W 256 x D 15 x H 130 cm

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FOTOGRAFIA COLOR / FOTOGRAFIA COLOR

Per Barclay, formado en Historia del Arte, completa sus estudios en Italia hasta 1994 y se establece en París, donde reside en la actualidad. Artista multidisciplinar que trabaja la escultura, la fotografía y la instalación. Las dos principales vertientes sobre las que articula su obra son, por un lado, las instalaciones, realizadas en interiores y exteriores de edificios, caracterizadas por estar intervenidas con elementos líquidos como el agua o el aceite y, por otro lado, la fotografía, a veces como registro de sus intervenciones, a veces concebida como escultura. En el caso de la fotografía, esta se convierte en un medio más para conseguir un fin, lo realmente importante para este creador es el resultado, no la técnica en sí misma. Sus fotografías reflexionan sobre la condición humana, que según él tiende a la violencia, a la competición con sus semejantes. Obras que nacen de la mirada de un escultor, como él mismo indica.

Ha expuesto en la Fondazione Merz (Turín, Italia, 2008), en el Palacio de Cristal del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2003), en Koldo Mitxelena Kulturunea (San Sebastián, 2002), en el Centre de Création Contemporaine (Tours, Francia, 2001) y en la Bienal de Venecia (1990), entre otros. Su obra forma parte de colecciones nacionales e internacionales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), la Fundación Telefónica (Madrid), el Musée d´Art Moderne et d’Art Contemporain (Niza, Francia), Es Baluard Museu dArt Modern i Contemporani de Palma y el Bergen Kunstmuseum (Bergen,Noruega).

Medidas: 227 x 170 cm

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“Rastro VIII”, 2008.

Concha Prada.

Fotografía a color digitalizada.  Edición de 3.

Medidas: W 294 x H 130 cm

 

El proceso creativo de Concha Prada se mueve entorno a la interrelación entre lo fotográfico y lo pictórico. Desde la estricta utilización del lenguaje fotográfico desarrolla una reflexión sobre el espacio pictórico y la abstracción.

El ámbito temático de sus trabajos es el espacio doméstico, y el mecanismo que construye y sustenta sus fotografías es la instalación de un dispositivo pictórico en el seno de lo fotográfico.

Con este nuevo trabajo de fotogramas trata de llevar este mecanismo al limite.

Un fotograma es una fotografía sin cámara. Es la huella que deja un objeto o acción sobre el papel fotográfico impresionado por una fuente de luz. El proceso se realiza en oscuridad total, por lo que el resultado son fotografías a ciegas en las que el gesto y el azar juegan un papel fundamental.

Y es a través de este proceso, y utilizando un objeto del ámbito doméstico, una fregona, como desarrolla este nuevo trabajo, provocando un resultado que desdibuja los límites entre lo pictórico y lo fotográfico.

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FOTOGRAFIA COLOR

La obra de Axel Hütte se enmarca dentro de una tradición de fotógrafos alemanes herederos directos de la estética conceptual y las enseñanzas de Bernd y Hilla Becher, que, en la década de los ochenta, readaptaron el proyecto originario de la Nueva Objetividad para adoptar una singular manera de enfrentarse al mundo. Al igual que sus compañeros de promoción en la Kunstakedemie de Düsseldorf —entre los que se encontraban Andreas Gursky, Candida Höfer, Thomas Ruff o Thomas Struth—, comparte inquietudes y planteamientos conceptuales afines: pertinaz practicante de la cámara de gran formato, adopta una estética fría, una mirada lo más neutral y desafectada posible, para acabar erigiendo imágenes planas técnicamente impecables y con una calidad de detalles que pone de manifiesto su preocupación formal por la desnudez y la pureza de registro.

Medidas: 135 x 165 cm

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Caax, 2018

Serie Khamekaye

Paula Anta
Fotografía

Edición de 5 ejemplares

 

La serie Khamekaye está realizada en la Grande-Côte, una sección del litoral senegalés que abarca unos 150km, situado desde el norte de Dakar hasta la desembocadura del río Senegal. En esta gran superficie de playas y dunas se distinguen, de tanto en tanto, unas estructuras compuestas por ramas, plásticos, redes de pesca y diferentes objetos, elevándose en medio de esta gran extensión de mar, arena y vegetación. A primera vista parecen objetos informes, caóticos, como marañas de ramas y plásticos que parecen desechados por el mar. Sin embargo, su configuración, su enclave vertical en un lugar azotado por el viento, el agua, el salitre y cierto dinamismo en sus formas, hacen fijar aun más la mirada para descubrir qué son y qué hacen clavados en ese lugar concreto. El caos brinda descubrimientos maravillosos y poco a poco estas estructuras enmarañadas empiezan a adquirir, ante el espectador, formas más definidas: animales, criaturas fantásticas, seres concretos, con brazos, cuerpos, cabezas, en movimiento, en grupo, incluso en escorzo.

Los Khamekaye son señales, grandes hitos colocados a lo largo del litoral para marcar el lugar donde, hacia el interior, se encuentran los poblados. Tienen una intención muy concreta, una utilidad práctica y doméstica. Su posición no es arbitraria. Su presencia tampoco es caprichosa o inconsecuente. Desde el mar (a lo largo de esta extensión hay algunas zonas de gran actividad de pesca) y desde la arena, se puede conocer dónde se encuentra el poblado. Khamekaye significa hito en la lengua wolof, uno de los idiomas más hablados en Senegal y este término es empleado  únicamente para designar estas señales de playa.

 

Medidas: 120 x 180 cm

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Souvenir 58 A . Ed. 1/5 ,2013
Impresión digital y resina sobre dibond

César Delgado

Medidas: W 150 x H 105 cm

 

El trabajo de César Delgado podría ser comparado con un laboratorio científico en el que un mundo de criaturas diminutas es observado al microscopio. Formas serpenteantes, retorcidas se entrelazan en la tela delimitando sendas con huellas de color líquido coagulado. Como anguilas incubadas en un tanque de agua, los signos de Delgado vibran con vida autónoma, independiente. Los pardos terrosos se mezclan con el blanco puro y se arrastran por el espacio del cuadro en retorcidas circunvoluciones barrocas. Repentinamente, bandas horizontales delimitan y cierran la escena recordando, que el mundo científico es aquel del artista donde una pincelada precisa, físicamente definida nos retrotrae al mundo de las frías, impersonales y punzantes pinceladas de Lichtenstein.

Es la pintura por la pintura, la abstracción por la abstracción, la obra por la obra. No hay pathos. Todo existe y puede por tanto ser examinado, estudiado como en una mesa de anatomía. Delgado dispone las piezas de la pintura para la autopsia de la historia del arte, actúa como un paleontólogo que rompiera las piedras para que afloren a la luz conchas fósiles del periodo jurásico. Córneas espirales, huesos astillados, segmentos de pliegos foliáceos vibran en estos cuadros deslizados de su propia obra en los que un vago recuerdo de Kandinsky se funde con una óptica problemática pop.

 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2012    «Informatismo», Centro de Arte Tomás y Valiente, Fuenlabrada
             «Informatismo«, Espacio2. Galería El Museo. Bogotá, Colombia

2010 . «Informatismo», Galería Fernando Pradilla, Madrid.

2009 . Art Madrid Project Room

2007 . “Derivados de Pintura”, Galería Fernando Pradilla, Madrid.

2005 . “Taxidermias”, Galería Fernando Pradilla , Madrid, .

2003 . Dahl Gallery of Contemporary Art, Lucerna.

2002 . Galería Les filles du Calvaire, París.

1999 . Galería Ars Vivendi, Munich.

1998 . Galería Valle Quintana, Madrid.

1997 . Galería Barrio y Valle Quintana, Madrid.

1994 . Galería MW, Madrid.

1993 . Sala Pradillo, Madrid.

1988 . Ateneo de Madrid.

Jose María De Aurora

Colorphilia Caribe , 2023

Acrílico sobre lienzo

 

El concepto de su obra abstracta y minimalista evoca calma y serenidad. El artista viaja a un lugar y momento concreto con las distintas texturas en movimiento vestidas de colores puros, otorgándole a su obra un protagonismo energético.

Impulsado por el norte de España, l’Empordà y la Costa Brava, José María de Aurora trabaja con trazos libres y orgánicos que dotan a sus obras de un marcado adn. El aire artesanal y rústico que construyen los fondos de lino, los algodones prensados y las texturas a partir de combinaciones de colores estéticos aportan calidez, tranquilidad y elegancia.

 

Medidas: W 104 x D 5 x H 104 cm

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“Butterfly Spin Painting” del artista Damien Hirst.

Obra en acrílico, enmarcada en estuche de metacrilato con laterales transparentes y fondo de madera en pan de oro que deja ver en su reverso la firma del artista.

Esta pieza de arte fue realizada para celebrar la apertura del PinchukArtCentre en Kiev, Ucrania, los días 25 y 26 de abril de 2009.  Butterfly Spin muestra la espontaneidad y la energía general del proceso creativo del artista. Según Hirst es una “Enorme explosión de energía, llena de vida, color y optimismo”. Los colores empleados son introducidos en el lienzo para luego ser sometidos en un movimiento mecánico de rotación que los extiende creando una transición de colores dando resultado a una obra de arte única y que se convierte en pura expresión. Con este método artístico Hirst imita a la pintura de acción de Jackson Pollock.

Medidas: W 80 x D 5  x H 85 cm

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“Geométrico romano VI, 2022”

Un kilo de verde

Miki Leal

Linograbado, monotipo y aguafuerte. Impreso en papel Somerset 410gr. y Hahnemühle 350 gr.

Medidas : W 114 x H 149 cm

 

PREMIOS

2021 International Studio & Curatorial Program (ISCP), New York, USA. Grant awarded by the
Consulado General de España en Nueva York. Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea
y de Cooperación. Gobierno de España.
2016 1º Premio del 31º Premio BMW Pintura. Madrid, Spain.
Beca de la Academia de BBAA de San Fernando in Rome. Rome, Italy.
2013 1º Premio. I Premio Bienal de Pintura Rafael Boti.
2009 Beca Cajasol.
2007 Premio Altadis de pintura 2006.
2006 Beca caja Madrid Proyecto BBC.
2004 Beca, Ayudas a la Creación Artística Contemporánea de la Consejería de Cultura de la Junta
de Andalucía.
2002 1º Premio. Certamen Nacional de Arte joven (I.A.J.) Málaga.
1998 1º Premio para Artistas Jóvenes de la Fundación el Monte. Sevilla.

 

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“Rastro I”, 2008.

Concha Prada.

Fotografía a color digitalizada.  Edición de 3.

Medidas: W 230 x H 148 cm

 

El proceso creativo de Concha Prada se mueve entorno a la interrelación entre lo fotográfico y lo pictórico. Desde la estricta utilización del lenguaje fotográfico desarrolla una reflexión sobre el espacio pictórico y la abstracción.

El ámbito temático de sus trabajos es el espacio doméstico, y el mecanismo que construye y sustenta sus fotografías es la instalación de un dispositivo pictórico en el seno de lo fotográfico.

Con este nuevo trabajo de fotogramas trata de llevar este mecanismo al limite.

Un fotograma es una fotografía sin cámara. Es la huella que deja un objeto o acción sobre el papel fotográfico impresionado por una fuente de luz. El proceso se realiza en oscuridad total, por lo que el resultado son fotografías a ciegas en las que el gesto y el azar juegan un papel fundamental.

Y es a través de este proceso, y utilizando un objeto del ámbito doméstico, una fregona, como desarrolla este nuevo trabajo, provocando un resultado que desdibuja los límites entre lo pictórico y lo fotográfico.

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“Azul II” , 2004

José Manuel Broto (Zaragoza 1949)

Acrílico sobre lienzo firmado, fechado y titulado al dorso.

Medidas: W 300 x  H 251 cm

Una de las firmas españolas de mayor prestigio internacional.

Inició su formación en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. En 1972 se establece en Barcelona y forma el grupo “Trama”, que edita una revista del mismo título, vehículo de sus teorías estéticas, presentada en 1976 por Antoni Tápies, lo que constituyó un espaldarazo para tan jóvenes creadores.

Eric Stefanski

Lets Fuck , 2022

Óleo y acrílico sobre lienzo

 

Eric Stefanski vive y trabaja en Chicago. Estudió en el School of the Art Institute of Chicago y recibió su MFA en la School of the Museum of Fine Arts Boston.

Su obra es una reflexión sobre el fracaso, el humor y la sinceridad que conlleva ser artista. Explora temas de la sociedad moderna y la historia del arte mientras reflexiona sobre su propia historia personal a través de obras abstractas a gran escala que incorporan texto.

 

Medidas: 50 x 40 cm

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“Derriere le Viridien 10”,  Rubén Rodrigo Silguero 2021
Óleo sobre lienzo

Medidas: 180 x 146 cm

“El trabajo de Rubén Rodrigo es heredero directo de la tradición modernista, entendida como un proceso de depuración sobre aquello que no es sustancial al medio pictórico (es decir, la imitación o lo literario). Partiendo de la división establecida por Lessing entre artes del espacio y artes del tiempo, el crítico Clement Greenberg construyó un sentido de la modernidad vinculado a la especificidad del medio, que tendría su reflejo en los expresionistas abstractos de los años cincuenta. Estos, en su búsqueda de una experiencia puramente visual, se situarían hipotéticamente más allá de la narración, de la época y, por tanto, del tiempo de la vida. En su relectura de aquel modernismo canónico, Rubén Rodrigo atiende también a los logros que fueron devaluados: por ejemplo, la intención simbólica, la presencia escénica, el registro del tiempo o la dimensión trascendental de la imagen. Trabaja, además, con dípticos, polípticos o amplias series, opción con la que desaloja el imperativo aparentemente insuperable del «último cuadro» que representan, por ejemplo, las pinturas blancas de Ryman o las negras de Reinhardt.

En sus últimos proyectos, la apropiación abstracta le permite sostener un ejercicio interpretativo acerca de diversos capítulos de la tradición, desde una posición humilde y abierta al constante descubrimiento. Así, de El Greco le interesa fijarse en aquello que constituye su extravagante rareza, y que será motivo de numerosos balances históricos y críticos, sobre todo desde la polémica monografía de Cossío en 1908. Entre sus fidelidades modernas, el expresionismo abstracto americano y otras poéticas próximas son referencias ineludibles, como también lo es la pintura (neo)figurativa de Francis Bacon.”

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